Resultados

En la conferencia dirigida por la Arquitecta Paisajista Teresita del Valle y el Arquitecto Paisajista Felix Ramos Lopez, titulada Formalidad y Sustentabilidad en los Jardines del Palacio Santa Catalina, se habló sobre múltiples elementos relacionados con el diseño urbano, la arquitectura paisajista, la memoria histórica y la intervención artística. A través de menciones a flores, escaleras, gobernadores, esculturas y estructuras, se insinúa un proyecto de transformación o embellecimiento de este espacio público. Hay una intención creativa detrás de la planificación de estos espacios, aunque también parece reflejar los desafíos de coordinación y visión clara en este tipo de proyectos colectivos. Esto nos invita a pensar que cualquier intervención urbana o diseño de espacios debe considerar tanto la utilidad como el simbolismo y la memoria de quienes los habitan o visitan. Este testimonio revela la complejidad que conlleva intervenir en espacios públicos, especialmente aquellos con valor simbólico o emocional para la comunidad. Se muestra cómo una acción aparentemente positiva, como limpiar y rediseñar jardines, puede desencadenar resistencia social cuando no se comunica adecuadamente. La relación con la comunidad demuestra la importancia de la participación ciudadana y la necesidad de incluir a los usuarios del espacio en las decisiones desde el inicio. Al igual, el diseño funciona como herramienta de reconciliación. Finalmente, se menciona la cultura, las conmemoraciones, y referencias históricas, lo que indica que el espacio intervenido tenía un valor más allá de lo funcional o estético. Por lo tanto, el diseño paisajista y urbano puede generar tanto conflicto como cohesión, dependiendo de cómo se gestione. Nos recuerda que todo proyecto en el espacio público debe equilibrar lo técnico, lo humano y lo simbólico. En conclusión, nos enfatiza que en medio del desorden, de los vacíos y de las palabras perdidas, siempre hay fragmentos de sentido que pueden hablarnos de comunidad, de arte y de historia compartida.

Diversidad de ordenes. El texto “Estructura y organismo” explora en cómo ha cambiado la idea de orden en la arquitectura a lo largo del tiempo. Antes, el orden se entendía como algo estricto: proporciones perfectas, simetría, reglas establecidas. Pero en la arquitectura moderna, este concepto se vuelve mucho más flexible y dinámico. Ya no se trata solo de que el edificio “se vea bien” según ciertas reglas, sino de cómo la estructura misma puede organizar el proyecto desde adentro. La estructura pasa de ser algo técnico que solo sostiene el edificio, a ser el corazón del diseño, lo que le da sentido, forma y funcionamiento. En este enfoque, el orden no está impuesto desde fuera, sino que viene desde el sistema, como pasa en la naturaleza o en los organismos vivos. Esto permite que haya variaciones, cambios y adaptaciones, siempre que haya una lógica detrás. Es lo que el texto llama “derivación” y “desviación”: el sistema puede cambiar, pero sigue siendo relevante. Arquitectos como Viollet-le-Duc, Buckminster Fuller y Frei Otto trabajaron con esta idea. Para ellos, mostrar la estructura era también mostrar el orden del edificio, de una manera clara, funcional, pero también estéticamente. En resumen, el texto propone que el orden en la arquitectura moderna no es algo rígido, sino algo vivo, que se adapta, que responde a necesidades reales y que puede ser tan variado como los sistemas que lo inspiran. Es un orden basado en relaciones, en estructuras inteligentes y en una mirada más completa del diseño.

El Kursaal de Rafael Moneo y el Museo Guggenheim de Bilbao de Frank Gehry, aunque a simple vista parecen ser dos edificios con un estilo y enfoque diferente, comparten un elemento clave: la forma en que material y estructura definen la superficie del objeto. Luego de observar detalles entre estos elementos, ambos logran crear una atmósfera única, que aunque visualmente se diferencian, persigue un fin similar: la integración con su entorno y la creación de una identidad arquitectónica que no solo resalta, sino que también se mezcle con el espacio alrededor. En el caso del Kursaal, Moneo utiliza una estructura más controlada y geométrica, basada en dos cubos de hormigón y vidrio. Aquí, la forma del edificio es sólida y nítida, lo que le da una presencia fuerte y definida. El vidrio, un material transparente, juega un papel importante en la suavización de los contornos del edificio. Este contraste entre la robustez del concreto y la ligereza del vidrio crea una superficie que a la vez, se ve firme y sutil. La estructura y el contorno del Kursaal están claramente marcados, pero es la superficie del vidrio la que introduce un dinamismo que permite que el edificio se integre con su entorno costero sin restarle importancia al paisaje. Por otro lado, el Guggenheim de Bilbao de Gehry tiene una forma completamente diferente. Aquí, la estructura de acero y titanio permite que los contornos del edificio se liberen de las formas rectas y geométricas. El diseño curvado y fluido del edificio parece estar en constante movimiento, como si las paredes del museo estuvieran siendo arrastradas por el viento. La superficie de metal, en lugar de ser transparente como en el Kursaal, se refleja la luz de una manera dinámica, dependiendo de la hora del día. Los contornos no son rígidos; todo parece fluir, transformándose con cada ángulo. A pesar de sus diferencias, ambos edificios usan la interacción entre forma, contorno y superficie para mezclar el edificio con su entorno. El Kursaal, con su geometría contenida y sus materiales traslúcidos, busca un equilibrio más suave con la naturaleza y la ciudad, mientras que el Guggenheim utiliza la fluidez de sus formas y superficies metálicas para desafiar lo convencional, convirtiéndose en un hito arquitectónico. Ambos, logran el mismo objetivo: crear un impacto visual que, aunque se diferencien, se adapta y se conecta con su contexto significativamente.

Ejemplo de "Duck architecture": Disney Epcot park Alexxa Gotthardt en su artículo titulado "The Quirky, Endearing Tradition of "Duck" Architecture" nos explica lo que es la curiosa tradición arqutectónica conocida como “Duck”. Este es un término dado por los arquitectos Robert Venturi, Denise Scott Brown y Steven Izenour en su libro "Learning from Las Vegas" (1972), donde diferencian lo que viene siendo la arquitectura "Duck" y la arquitectura decorada. Definiendo la "Duck" como edificios cuya forma física representa directamente su propósito o función y la decorada como construcciones convencionales que añaden carteles o decoraciones para indicar su función, en lugar de depender de la forma del edificio, Gotthardt se enfoca en destacar la peculiaridad y el valor que tiene este tipo de arquitectura dentro del mundo arquitectónico. El término asignado para el tipo de arquitectura "Duck", proviene de The Big Duck, una tienda en Nueva York, con la forma de un pato gigante, que vendía patos y huevos. Luego de esta construcción, se comienzan a ver arquitecturas que reflejan su función con su fachada, como Longaberger Basket Building en Ohio, unas oficinas con la forma exacta de una cesta de picnic. A causa de su diseño literal y figurativo, su impacto visual y atractivo, y si relación con la cultura popular, Gotthardt cree la arquitectura "Duck" ser una con fuerte conexión a la cultura del consumo. Además, destaca que es un estilo con valor cultural, ya que cumple su propósito comunicando visualmente y fascinando a través de una estructura arquitectónica creativa y divertida. El artículo se enfoca en cómo la arquitectura "Duck" resulta ser una estrategia efectiva de diseño que combina funcionalidad, arte y marketing, mientras se desvía de las normas arquitectónicas convencionales, dejando la imaginación fluir en sus espacios. En conclusión, la arquitectura "Duck" suele ser una exitosa dentro del ámbito del mercado, pero ¿resulta ser útil para arquitectos cuando lo único que se nos pude es que diseñemos una figura literal a escala gigante?

Luego de haber visitado las paginas web de los colegas Ana Rodríguez, Gabriel O. Escobales y   Diego A. Oitiz, el equipo de CKCblogs se siente alagado por la similitud de pensamiento critico que se lleva a cabo en el curso, compartimos ideas sobre ¿Qué fue y que es ahora la arquitectura?, ¿debemos de seguir las normas de los arquitectos antepasados? Hasta si la profesión misma seguirá siendo relevante.  El dialogo que creamos es de riguroso cuestionamiento hacia el pasado que todavía limita las formas de solucionar los problemas presentes, contado también con la presión de la sociedad y el apetito que ella desea en estos momentos. Cuestionamos si en estos tiempos, la profesión es vista como los grandes organizadores de la belleza cívica o solo como marionetas que construyen para complacer o hasta si es de necesario invertir en un arquitecto con la presencia de inteligencias artificiales capases de recrear cualquier fachada. En fin, las todavía existe la esperanza porque todavía existe el apetito por crear nueva geometría que soluciones las nuevas enigmas del hoy, aun se debaten ideas de que no debe de ser y que sí, aún existe el dialogo y en ella existe la respuesta.

Sydney Opera House Jørn Utzon La arquitectura es una disciplina que mezcla dos enfoques opuestos: lo visceral y lo académico. Lo visceral se basa en la intuición, la emoción y la experiencia sensorial, mientras que lo académico se enfoca en lo racional, lo técnico y lo estructural. Aunque parecen mundos separados, ambos son esenciales en el diseño arquitectónico, y la verdadera magia ocurre cuando se logran combinar de manera equilibrada. La arquitectura no solo es ciencia, sino también arte, y para crear grandes obras se necesita un balance perfecto entre estos dos aspectos. Jørn Utzon, reconocido por su enfoque visceral, se alejó de las normas tradicionales de la arquitectura académica. Influenciado por su experiencia en las plataformas mayas de Uxmal y Chichén Itzá, Utzon entendió que la arquitectura podía ser una experiencia emocional que transformara la percepción del espacio. Para él, no solo se trataba de crear una forma atractiva, sino de ofrecer una experiencia profunda que cambiará la manera en que las personas veían su entorno. Su trabajo, aunque cargado de emoción y sensaciones, también estaba basado en una sólida estructura técnica, lo que muestra cómo lo visceral y lo académico pueden complementarse. Casas Fredensborg, Selandia Jørn Utzon Arquitectos como Alvar Aalto y Gunnar Asplund también supieron equilibrar lo técnico y lo emocional en su trabajo. Aalto, por ejemplo, hablaba de un proceso en dos fases: primero abordaba los aspectos técnicos y funcionales, y luego se dejaba guiar por su intuición y recuerdos para dar forma a sus proyectos. Este enfoque permitió que su arquitectura no solo resolviera problemas prácticos, sino que también evocara sensaciones y emociones. Al igual que Utzon, Aalto y Asplund demostraron que la belleza y el rigor pueden ir de la mano, y que un diseño puede ser tanto funcional como profundamente emocional. El diseño arquitectónico exitoso debe integrar estos dos enfoques. Un edificio que solo sea bonito pero inestable o que sea funcional pero le falte de expresión emocional no alcanzará su máximo potencial. La clave está en lograr un equilibrio entre lo técnico y lo emocional, algo que se refleja en obras como la iglesia Notre-Dame du Haut de Le Corbusier, que aunque parte de una base teórica sólida, transmite una fuerte carga emocional. Arquitectos como Louis Kahn o Tadao Ando también logran transmitir emociones a través de la luz, la sombra y la textura, a pesar de que sus diseños se basan en principios más académicos. El buen diseño arquitectónico debe ser tanto práctico como evocador, y esto depende del contexto y la naturaleza de cada proyecto.

Sphere Populous El idealismo y la emoción en el diseño arquitectónico son distintivos del arquitecto Étienne-Louis Boullée . Buscando evocar sentimientos profundos, concebía arquitecturas imaginarias, como el Cenotafio de Newton. Su enfoque era filosófico y simbólico, utilizando formas geométricas puras para transmitir significados trascendentales. Sin embargo, su obra, en su mayoría no construida, permaneció más como un testimonio teórico que práctico. En contraste, el arquitecto Jean-Nicolas-Louis Durand apostó por la funcionalidad y la eficiencia. Su visión, mucho más programática, promovía la arquitectura como un sistema basado en la repetición de módulos y la economía de medios. Su influencia no solo fue teórica, sino que tuvo un impacto real en la enseñanza de la arquitectura y en el desarrollo del urbanismo moderno. Con su método, anticipó ideas clave del movimiento moderno, como la prefabricación y la planificación racional. Si Boullee  buscaba lo sublime, Durand  priorizaba lo práctico. Boullée  imaginaba ciudades de grandes monumentos inspiradores, mientras que Durand  diseñaba sistemas arquitectónicos replicables y eficientes. Uno apelaba a la emoción y la grandeza simbólica; el otro, a la lógica y la funcionalidad. Sin embargo, ambas visiones no son excluyentes. En la arquitectura contemporánea, encontramos ejemplos que combinan monumentalidad y racionalidad: edificios funcionales que, al mismo tiempo, logran transmitir emoción y significado. La síntesis de ambos enfoques sigue siendo un reto y una inspiración para arquitectos y urbanistas . La  arquitectura siempre ha oscilado entre dos extremos: la búsqueda de la emoción y la monumentalidad simbólica, representada por Boullee , y la racionalidad funcionalista, defendida por Durand . A pesar de sus diferencias, ambas visiones han dejado huella en la arquitectura contemporánea, demostrando que no son opuestas, sino complementarias. Hoy en día, proyectos como el Museo Guggenheim de Bilbao o el Museo del Futuro en Dubái  encarnan la idea de Boullée  de que los edificios no solo cumplen una función, sino que impactan visualmente y generan una experiencia casi sublime. La arquitectura sigue siendo un medio para inspirar, provocar asombro y comunicar significados más allá de lo utilitario. Por otro lado, la enseñanza de Durand , basada en la eficiencia y la sistematización, sigue siendo fundamental. Edificios como el Apple Park o el auge de la arquitectura modular y prefabricada muestran cómo la repetibilidad y la optimización de recursos son esenciales en un mundo que exige sostenibilidad y rapidez en la construcción . Sin  embargo, la arquitectura más interesante de hoy no se alinea exclusivamente con una de estas visiones, sino que busca integrarlas. Proyectos como el Centro Heydar   Aliyev  de Zaha Hadid combinan la expresividad formal con una organización racional, demostrando que la monumentalidad y la eficiencia no son excluyentes. Steve Jobs Theater at Apple Park Foster + Partners La reflexión final es clara la arquitectura del presente y del futuro no tiene que elegir entre la emoción y la razón, entre lo simbólico y lo práctico. Más bien, el reto es encontrar un equilibrio entre ambas dimensiones, creando espacios que sean funcionales, pero que también eleven el espíritu humano.

Por Arq. Guillermo Acevedo & Arq. Norma Ilia Fúster Una charla auspiciada por la Escuela de Arquitectura del recinto de Río Piedra Universidad de Puerto Rico, junto con el Colegio de Arquitectos y Arquitectos Paisajistas de Puerto Rico. La pareja de arquitectos nos presentan su nueva aventura en el municipio de Coamo  dónde expone una gran cantidad de proyectos Tales como el  cine Hollywood, cuyo diseño es Art Deco. La conferencia además de poner alguna de sus obras, también se enfocó en cómo conseguir un efecto visceral en un proyecto de bajo presupuesto como por ejemplo, se pudiera utilizar colores vivos que contraste el entorno, jerarquizar un elemento arquitectónico, manipular métodos de construcción para obtener balcones voladizo  o incluso crear contraste entre estilos tradicionales y Contemporáneos  a la arquitectura. Curiosamente,  todas sus obras se pudieran clasificar como posmodernistas, ya que la mayoría de ellas se enfocan en conservar e patrimonio colonial y reinterpretar el mismo utilizando materiales contemporáneos, creando un interesante dialecto entre lo colonial y lo posmoderno. Generando  nuevas narrativas y nuevos cuestionamientos sobre qué es arquitectura puertorriqueña o a qué dirección debería de moverse esa arquitectura puertorriqueña; Los  arquitectos Guillermo y Norma han puesto en práctica toda esta experiencia y conocimiento de la profesión en un municipio lejano de la ciudad, esparciendo nuevas ideas de cómo debe  de ser la vivienda en Puerto Rico, brindando a Coamo  una segunda vida.

Steilneset Memorial Peter Zumthor  and Louise Bourgeois https://architizer.com/blog/inspiration/industry/peter-zumthor-zinc-mine-museum/ REFLEXION ~1~ Aunque algunos arquitectos son clasificados como viscerales, aquellos que basan sus obras en la intuición, la emoción y la experiencia sensorial, y otros como académicos, aquellos que siguen una aproximación más teórica, racional y basada en normas establecidas, ambas aproximaciones son importantes al momento de diseñar.  La arquitectura es una disciplina única que combina conocimiento técnico y científico con visión artística. Aunque no tienen un rol protagónico, las grandes obras de arquitectos considerados viscerales también conllevaron consideraciones técnicas importantes y hay personas que encuentran belleza y arte en la expresión de arquitectos considerados académicos. Existe un tercer grupo de arquitectos que ha logrado equilibrar lo visceral y lo académico, combinando emoción y exploración formal con un sólido marco teórico y metodológico. La arquitectura como ciencia, implica el conocimiento y aplicación de principios de ingeniería, estructuras, materiales, historia y consideraciones ambientales. Requiere comprensión de la física, matemáticas, y tecnología para crear edificios seguros y funcionales.  Como arte, la arquitectura se centra en la creatividad, la estética y la expresión de la cultura y las experiencias humanas. Involucra el diseño, la forma, el espacio y cómo las estructuras interactúan con su entorno y las personas que las experimentan. La arquitectura orgánica y onírica de Antonio Gaudí, considerado un arquitecto visceral, conllevó importantes consideraciones técnicas para poderse construir. Inclusive, algunos arquitectos cuestionaron si sus diseños de la Sagrada Familia eran posibles de construir. La Sagrada Familia Antonio Gaudí https://www.admagazine.com/articulos/la-sagrada-familia-todo-lo-que-tienes-que-saber Las formas retorcidas y dinámicas del Guggenheim de Bilbao diseñadas por Frank Gehry, otro arquitecto considerado visceral, no hubiesen podido construirse sin el uso de programas de computadoras modernos.  ¿Quién podría pensar que la iglesia diseñada por Le Corbusier, Notre-Dame du Haut es una obra de un arquitecto considerado académico? Aunque Le Corbusier tenía una sólida formación en teoría arquitectónica y aplicó principios de diseño en su obra, "Notre-Dame du Haut" es un claro ejemplo de cómo la arquitectura puede ser una expresión profundamente visceral y emocional.  Notre-Dame du Haut es conocida por su diseño innovador y su forma escultural, así como por la manera en que utiliza la luz natural para crear un ambiente espiritual. Notre Dame du Haut Le Corbusier https://arquitecturaviva.com/obras/notre-dame-du-haut-ronchamp Las obras de Louis Kahn, con su base racional y geométrica, también tiene una dimensión espiritual muy fuerte. Tadao Ando usa principios geométricos rigurosos en su obra (aproximación académica), pero sus espacios generan fuertes experiencias emocionales a través de la luz, la sombra y la textura (aproximación visceral).  Jatiyo Sangsad Bhaban Louis Kahn https://www.archdaily.cl/cl/02-335901/feliz-cumpleanos-louis-kahn-2 Ilegsia de la Luz Tadao Ando https://www.archdaily.cl/cl/ITtcw2CRCt/clasicos-de-la-arquitectura-iglesia-de-la-luz-tadao-ando Vitruvio, en su obra De Architectura , estableció tres principios fundamentales para el diseño arquitectónico que han perdurado hasta el presente: firmitas (firme), utilitas (útiles), y venustas (bellos).  El enfoque ideal en la arquitectura reside en un equilibrio entre las aproximaciones visceral y académica, logrando así la integración perfecta de estos tres principios. Mientras que la arquitectura académica se centra principalmente en la firmitas  y la utilitas , la visceral aporta la venustas .  Un buen arquitecto debe considerar y poder manejar ambas aproximaciones en sus diseños.  Puede ser que en sus obras una de ellas asuma un papel más relevante que la otra, pero el buen diseño arquitectónico debe incluir ambas.  ¿De qué sirve un bello edificio que no se pueda sostener o que no responda a las necesidades de las personas que lo habitan o un edificio firme que no genere emociones en las personas que interactúan con él?  El buen diseño arquitectónico debe lograr equilibrar lo visceral y lo académico.  Debe combinar rigor teórico, funcionalidad y viabilidad técnica con una fuerte expresión sensorial y emocional.  El balance entre intuición y método es lo que distingue las grandes obras de arquitectura.  Cuál de las dos aproximaciones debe asumir un rol protagónico en el diseño, depende del contexto, la intención del arquitecto, y la prioridad del promotor de la obra.  La aproximación académica es crucial para que los edificios sean funcionales, sostenibles, y viables estructuralmente.  La misma es más relevante en la arquitectura comercial y corporativa, la academia, la investigación, y la arquitectura urbana y pública, aunque en esta última una combinación de ambas aproximaciones que considere la sensibilidad de la escala del humano y el impacto social es ideal.  La visceral es clave en proyectos donde la experiencia espacial, la identidad cultural, y la sensibilidad estética tienen un papel fundamental, como proyectos de iglesias o templos, proyectos culturales, y las casas.